Gaetano Amadeo Vidéos
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Commémorations 2024 (Naissance: Gaetano Amadeo)
- orgue
- royaume d'Italie
Dernière mise à jour
2024-05-15
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Tchaikovsky Ferrando Casa Música 2016 2019
Juan Amadeo Composición poético-musical "El Minnesang de Viena" (2016) Partes 5 y 6 (after Mozart's Piano Fantasia and Tchaikovsky's Quartet 'Night') Maria Diana Molchanova, soprano Miroslava Gúseva, mezzo-soprano Christian Lindsey, tenor Radomir Zavalin, tenor Miguel Ferrando, bajo Grupo CANTORES DE MINNÉ Clarinete - Maria Diaz Director - Teo Leónov. Auditorio Casa de la música Las Cigarreras, Alicante, 20-04-2019
Ofelia Nieto Penella Guerrero Cuevas Moreno Torroba Arregui Fernández Caballero Carreras Felisa Lázaro Lázaro Palacios Matilde Vázquez Badía 1010 1523 1643 1881 1894 1898 1900 1923 1926 1931 1948 1984
Ejemplos de la calidad y versatilidad artística de cuatro primeras figuras del teatro lírico español de la primera mitad del siglo XX: Pablo Gorgé +••.••(...)), Selica Pérez Carpio +••.••(...)), Ángel de León (?-?) y Ofelia Nieto +••.••(...)). 1. Introducción 0:00 2. Pablo Gorgé en "Don Gil de Alcalá" (Penella) 0:12 3. Pablo Gorgé en "La sombra del Pilar" (Guerrero) 2:13 4. Pablo Gorgé en "La Golfemia" (Arnedo) 4:01 5. Selica Pérez Carpio en "El huésped del sevillano" (Guerrero) 5:12 6. Selica Pérez Carpio en "Un día de primavera" (Romo), con el tenor cómico Eladio Cuevas 7:14 7. Selica Pérez Carpio en "Luisa Fernanda" (Moreno Torroba), con el tenor Faustino Arregui 8:20 8. Ángel de León en "Martierra" (Guerrero) 10:10 9. Ángel de León en "Don Gil de Alcalá" (Penella), con el tenor cómico Amadeo Llauradó 11:01 10. Ángel de León en "Katiuska", con la tiple cómica Amparo Albiach y el tenor cómico Pepe Acuaviva 12:08 11. Ofelia Nieto en "Maruxa" (Vives) 13:52 12. Ofelia Nieto en la canción tradicional asturiana "Torna" 15:23 13. Ofelia Nieto en "Gigantes y cabezudos" (Fernández Caballero) 16:43 Muchos artistas de la era de la zarzuela entregaron sus carreras profesionales al género con tal dedicación que los hay que empezaron jovencísimos y continuaban sobre los escenarios con avanzada edad. Por ejemplo la gran Felisa Lázaro, una de las tiples líricas de referencia en las últimas décadas del siglo XIX y que en 1923 estrenó el papel de Doña Francisca en “Doña Francisquita”. La exigencia con respecto al propio arte y una percepción inteligente de sus posibilidades llevó a que muchos enamorados de la escena pasaran por distintas especialidades con respecto a los roles teatrales. Así, en el siglo XX el barítono José Parera, referencia histórica en el papel de Puck de “Las golondrinas”, prolongó su trabajo como actor, manteniendo enorme reconocimiento en esta nueva faceta, cuando su voz perdió lustre; Anselmo Fernández, el notabilísimo actor y director de compañías, cantaba en sus comienzos personajes como Julián de “La verbena de la Paloma” (como tal participó en el estreno de la obra en Barcelona en 1894), y con el paso del tiempo seguía haciendo las delicias del público con personajes como “Don Hilarión” (por no mencionar las decenas de personajes que creó en estrenos de obras); Luisa Espinosa y Selica Pérez Carpio pasaron de protagonistas de los papeles líricos a actrices de carácter también celebradísimas (por cierto, Pérez Carpio, que estrenó el papel de Luisa Fernanda, ¡cómo canta el de la duquesa Carolina!). Atendiendo a estos datos, uno llega incluso a divagar pensando… ¿Sería posible en la ópera ver a una primera figura disfrutando en su vejez de ser partiquino en un teatro operístico de postín? Algunos casos hay, pero nunca ha sido generalidad porque una cosa es amar el canto entendido como “estatus de un divo” y otra bien distinta amar la magia de actuar en un género como la popular zarzuela, que es mucho más que cantar con "arte refinado". ¡Y qué decir de figuras como Pablo Gorgé!, bajo-barítono poseedor de una voz bendecida con un metal puro y refulgente, y que se despidió de la vida “con las botas puestas”, entregado al arte escénico y con unas cualidades de actor que no le iban a la zaga a las de cantante. Cuando le llegó la hora del declive a la zarzuela desaparecieron los artistas “de raza” acostumbrados a transmutarse en el personaje; en el siglo pasado, maestros en este importante aspecto fueron Ramón Peña, Ángel de León y Antonio Palacios entre los actores, como maestras entre las tiples dramáticas fueron Matilde Martín, Matilde Vázquez y María Badía (las únicas tres que el maestro Penella consideró capaces de interpretar adecuadamente la protagonista de su zarzuela "La Malquerida", estrenado por Matilde Martín). Después llegó el reinado de las grabaciones discográficas, en las que se reinterpretó la zarzuela primando una nueva estética sonora, y todo cambió… Desde entonces, un artista lírico ansía mostrar sus cualidades canoras de forma casi intocable y necesitando mucho descanso entre función y función, algo que sería impensable entre los artistas antiguos, cuyas voces no tenían problemas de fatiga ofreciendo varias funciones cada día, década tras década (descansando por lo general sólo un día a la semana). La zarzuela ha sido afortunada al haber contado con tantísimos artistas que aportaron un nivel al género que fue como un broche de oro en la despedida de aquellos años dorados plagados de estrenos que por ahora no han querido volver. Imagen de fondo: Artistas participantes en actuación musical en la que se interpretaron coros de zarzuela en el Parque Recreativo de Santa Cruz de Tenerife en mayo de 1926 (colección González-Remmers, Alemania). También me puedes seguir: En Facebook: (http•••) En Instagram: (http•••) #zarzuela #zarzuelagoldenage
Gioconda Vito Johannes Brahms Martzy Neveu Haendel Morini Sabata Benedetti Benedetti Michelangeli Mainardi Menuhin Stern Fischer Weingartner Philharmonia Orchestra 1833 1863 1886 1889 1892 1897 1904 1907 1908 1916 1919 1920 1924 1928 1931 1932 1934 1940 1942 1946 1947 1948 1949 1950 1952 1959 1960 1961 1967 1976 1977 1979 1988 1989 1991 1994 1995 1997 1999 2001
Johannes Brahms +••.••(...)) 00:00 1. I. Allegro non troppo (Cadenza by Joachim) 23:11 2. II. Adagio 34:08 3. III. Allegro giocoso, ma non troppo vivace Gioconda de Vito, violin Philharmonia Orchestra Rudolf Schwarz, conductor Amadeo Valdovino, cello Sound sources: CD - Gioconda de Vito Plays Brahms Manufactured by WOONGJIN Media Corp in Korea Licensed from EMI Music Korea. This compilation 1997 by EMI Music Korea. 이탈리아 출신의 지오콘다 데 비토는 1940년대 후반부터 1960년대 초까지 전성기를 누렸던 연주자이다. 그녀가 활동했던 시기는 요한나 마르치(Johanna Martzy, 1924-1979), 지네뜨 느뵈(Ginette Neveu, 1919-1949), 이다 헨델(Ida Haendel, 1928- ), 에리카 모리니(Erica Morini, 1908-1995) 등 많은 여성 바이올리니스트들이 뛰어난 연주를 남겼던 시기였는데, 데 비토는 그 중에서도 앞선 세대의 연주자로 선구적인 역할을 했다. 하지만 생각보다 음반을 많이 남기지는 않았는데, 데 비토가 남긴 음반들은 모두 콜렉터들의 수집대상으로 알려져 있기도 하다. 이탈리아를 대표하는 바이올린의 여왕 데 비토는 1907년 7월 22일 이탈리아의 마르티나 프랑카(Martina Franca)에서 태어났다. 7살 때 동네에 있던 작은 악단의 지휘자에게 바이올린을 배우기 시작해서 11살 때 페사로의 '롯시니 음악원(Rossini Conservatory)'에 입학하여 레미 프린치페(Remy Principe, 1889-1977)에게 배웠는데, 2년 동안 모든 상을 수상하며 페사로 음악원을 졸업할 정도로 재능이 뛰어났다. 졸업 후에는 로마에서 데뷔하였고, 이후 3년 정도 별다른 교육을 받지 않고 독학으로 레퍼토리를 넓혀나갔다. 1924년에는 바리 음악원의 바이올린과 조교수가 되었으나 얼마 후 사임했고, 활발한 활동을 할 거라는 사람들의 기대와는 달리 내성적인 성격의 그녀는 거의 10년 동안 무대에 서지 않았다. 하지만 1931년에 파리에서 토스카니니 앞에서 바흐를 연주하여 절찬을 받기도 하였으며, 1932년 25살 때는 빈에서 열린 국제 바이올린 콩쿠르에 참가하여 우승하기도 하였다. 이 콩쿠르에서 악기상태가 좋지 않아서 다른 사람의 바이올린을 빌려서 연주했음에도 불구하고 350명의 경쟁자들을 제치고 우승했다는 일화를 남기기도 했다. 콩쿠르 우승의 후광으로 그녀는 1934년 로마의 유명한 싼타 체칠리아 음악원(Accademia di Santa Cecilia)의 바이올린과 종신교수에 임명되었고, 독일에서 여러 차례 공연하면서 명성을 높여 미국 데뷔 공연까지 계획됐지만 전쟁으로 인해 그녀의 활동은 이탈리아와 독일로 국한된다. 1942년에는 로마에서 브람스의 [바이올린 협주곡]을 연주함으로써 독재자 무솔리니의 총애를 받으며 이탈리아 바이올린의 여왕으로 떠오르기도 했다. 데 비토의 연주는 여유로우면서도 힘이 있고 화려한 연주이며, 반면 실내악에서는 내성적이고 치밀한 연주를 들려주고 있다. 기교도 물 흐르듯 막힘이 없으며 특히 두툼하면서 아름다운 중음이 일품이다. 2차 대전이 끝나고 데 비토는 1946년 영국을 방문하여 EMI의 프로듀서 데이비드 빅넬(David Bicknell)과 만난 것이 계기가 되어 EMI와 계약하고 1947년 런던에서 바흐의 [샤콘느, Chaconne]를 녹음했는데,이 연주는 많은 사람들에게 그녀의 이름을 각인시킨 명연이었다. 그리고 이런 인연으로 빅넬(David Bicknell)과 결혼하였고 영국시민권을 얻어 영국에 영주하였다. 1948년에는 빅토르 데 사바타(Victor de Sabata, 1892-1967)의 지휘 아래 런던 필하모닉과 브람스의 [바이올린 협주곡]을 처음 공연했다. 이 협주곡은 그녀가 가장 좋아하는 레파토리의 하나였으며, 그녀의 브람스는 이미 정평이 나 있었다고 한다. 같은 해 에딘버러 음악제에서는 피아니스트 아르투로 베네데티-미켈란젤리(Arturo Benedetti Michelangeli, 1920-1995) 및 첼리스트 엔리코 마이나르디(Enrico Mainardi, 1897-1976)와 함께 푸르트뱅글러 지휘와 산타 체칠리아 음악원 오케스트라의 연주로 베토벤의 [3중 협주곡, Triple Concerto]을 연주했다. 이어서 바이올리니스트 예후디 메뉴힌(Yehudi Menuhin, 1916-1999), 아이작 스턴(Isaac Stern, 1920-2001)과 영국 및 아일랜드를 순회 공연하기도 했다. 이후 데 비토의 명연들은 EMI 레이블을 통해 속속 녹음되었는데, 베토벤의 [로망스], 바흐와 모차르트의 [바이올린 협주곡], 그리고 피아니스트 에드윈 피셔(Edwin Fischer, 1886-1960)와 함께 연주한 브람스의 [바이올린 소나타] 등 많은 음반이 발매되었다. 1952년에는 토리노 방송국에서 푸르트벵글러와 브람스의 [바이올린 협주곡]을 연주하기도 했고, 957년 로마 교황청에서 바흐를 연주해서 화제가 되기도 했다. 1961년 54세의 나이로 은퇴를 선언했고, 후 콩쿠르 심사위원은 간혹 맡았지만 다시는 무대에 오르지 않았다. 은퇴 후에는 런던 인근의 작은 마을에서 남편과 함께 여생을 보내다가, 1988년 결혼 40년만에 남편을 잃었는데, 1991년에 그녀를 만난 툴리 포터(Tully Potter)에 의하면 남편 빅넬을 '신이 보낸 선량한 사람'이라고 말했을 정도로 금슬이 좋았다고 전한다. 87세의 나이로 1994년 10월 14일 로마에서 사망했다. 그녀의 공식 녹음은 실제적으로 1948~59년 런던 애비 로드 EMI 스튜디오에서 녹음한 LP 약 12장 분량이 전부다. '2차 대전 후 최고의 여류 바이얼리니스트'라고 불리던 그녀 전성기의 명성을 생각하면 결코 많다고는 할 수가 없는데, 그녀나 남편 빅넬이나 모두 빅넬의 지위를 이용하여 EMI에서 특히 많이 녹음한다든가 하는 생각도 해 보지 않았을 정도로 원칙을 지키는 사람이었기 때문이라고 한다. 그녀가 한창 절정기 때 은퇴하고 다시 돌아오지 않아서인지, 이상하게도 미국과 유럽에서는 LP로는 그녀의 레코드를 보기가 쉽지 않다. 복각 음반사로 유명한 테스타멘트(Testament) 레이블에서는 회사 발족 초기에 [브람스 소나타] 3곡을 냈고, LP는 지휘자 라파엘 쿠벨릭과 협연한 바흐 2번/모차르트 3번을 내놓긴 했지만 후속 발매가 없는 점을 보아 이 점에서는 그다지 만족스럽지는 못하다. 하지만 일본은 예외였다. 그녀의 EMI 전 녹음은 LP 전집으로도 나왔으며, CD 시대에 들어와서도 역시 전집으로 2번 발매되었다. 우리 나라에서는 일본 발매를 라이선스하여 브람스 녹음만 따로 2장 세트로 나오기는 했지만 지금은 폐반되었다고 알고 있다. 전에 얼마간 한국 EMI가 수입했던 바인가르트너(Felix Weingartner, 1863-1942)나 요한나 마르치(Johanna Martzy)의 일제 발매처럼 5-6장 정도면 그래도 괜찮은데, 9장이나 되기 때문에 수입하기도 아마 벅찰 것 같다. LP로는 그녀의 음반 가격이 장당 최소 20만원을 넘는다고 하니(솔직이 희귀성 때문이다. 이렇게 값이 높을 이유가 또 있을까) 좋건 싫건 금전 효율을 생각하면 이 일제 전집이 최상의 선택일 수밖에 없다. 브람스의 두 곡의 협주곡(바이올린 협주곡, 2중 협주곡)중에서는 [2중 협주곡]이 명연이다. 소나타는 거장 에드빈 피셔(Edwin Fischer, 1886-1960)와 1, 3번을, 그녀의 반주를 오래 맡은 티토 아프레아(Tito Aprea, 1904-1989)와 2번을 협연했다. 다비드 오이스트라흐가 스비아토스라프 리히테르와 함께 워낙 굉장한 연주를 들려 주기 때문에 첫째로는 추천 못하겠지만, 모노랄이란 점만 제외하면 피셔나 비토의 팬들에게는 꼭 갖춰 놓아야 할 연주다. 베토벤으로는 [로망스 2번](에레데 지휘)과 아프레아 협연의 [소나타 7, 9번]이 전부이다. 그녀가 은퇴 후 베토벤 [바이올린 협주곡] 녹음을 못한 점을 아쉬워했다고 전하는데, 그녀가 브람스와 베토벤의 협주곡으로 명성을 얻었음을 고려하면 확실히 아쉽다. 베토벤의 바이올린 소나타 [크로이처]는 인상이 아주 강했는데, 솔직이 다른 사람들의 연주와 상당히 달라서 들으면서는 다소 당황했다. 베토벤 녹음으로는 [소나타 7, 9번]과 [로망스 2번]만 남아 있는데, 9번은 독특한 감각의 연주가 나름대로 멋이 있다. [로망스]는 1948년의 78회전 복각 녹음인데, 솔직이 일본 자체 복각의 질이 '그저 그렇기' 때문에 몇 년 후에 녹음된 마르치의 연주가 더 추천할 만하다. 비토는 바흐 [바이올린 협주곡 2번]과 모차르트 [바이올린 협주곡 3번]을 아주 좋아했던 듯, 40년대 말의 78회전 녹음 외에도 1959년에 쿠벨릭과 다시 녹음했는데 이 음반이 그녀의 스테레오 녹음으로는 유일하다. 비토는 이 시기에 예후디 메뉴힌과 많이 녹음했다. 바흐 [2대의 바이올린을 위한 협주곡]과 슈포어, 헨델 등의 [바이올린 2대를 위한 곡] 등을 녹음했으며, 바흐보다는 실내악곡들에 비토의 여유 있는 템포가 더 잘 어울리는 느낌이 든다. 이 외에는 멘델스존과 비오티 [22번 협주곡]과 바흐 [무반주 파르티타 2번], 프랑크 [바이올린 소나타] 등이 있으며, 이 중 비오티의 [바이올린 협주곡 22번]의 연주가 좋은 편이다. [무반주 파르티타]는 한 번에 종합하여 녹음하지 않고 [샤콘느]만 1947년, 나머지는 1950년에 두 번 녹음했기 때문인지 서로 음질도 차이가 있어서 위화감이 있다. 프랑크의 [바이올린 소나타]도 역시 아프레아와 협연했는데, 베토벤의 [크로이처] 이상으로 개성이 강해서 적응하려면 좀 더 들어보아야 할 것이다. - 글의 출처: 이영록의 음악이야기에서 부분 발췌했습니다 - #GiocondaDeVito #Brahms
Amadeo Roldán Gallardo Pablo Sarasate Conrado Campo Alejandro García Caturla Stravinsky Schoenberg Cabrera Henry Cowell Edgard Varèse John Cage Tambuco Albertina 1900 1908 1916 1917 1919 1922 1924 1925 1927 1928 1929 1930 1932 1933 1939 1996
Interpretación: Ricardo Gallardo & Ensamble Tambuco e invitados [Grabación efectuada en Septiembre de 1996; Sala Nezahualcóyotl, CDMX] Amadeo Roldán Gardés (París, Francia 12/VII/1900 † 07/III/1939 La Habana, Cuba) Compositor, violinista y director de orquesta. Hijo primogénito de Moisés Roldán (español) y Albertina Gardés (cubana), Amadeo nació en la capital francesa debido a que sus familiares asistieron a la Exposición Universal de París 1900; desde su infancia hasta la adolescencia vivió en Madrid. En 1908 ingresó al Real Conservatorio de Música y Declamación para estudiar solfeo, armonía y violín, se graduó con honores en 1916; un año antes de concluir estudios obtuvo el Primer Premio del 'Concurso Internacional de Violín Pablo Sarasate'. En 1917 se incorporó a la Orquesta Filarmónica de Madrid, en paralelo emprendió clases particulares de composición con Conrado del Campo hasta 1919; a mediados de aquel año se trasladó junto a toda su familia a Cuba para radicar en La Habana. De ahí en adelante Roldán figuraría a la postre como uno de los gigantes de la modernidad musical cubana. Al poco tiempo de su llegada a la isla, Roldán obtuvo la nacionalidad cubana y entabló amistad con el compositor Pedro Sanjuán Nortes con quien prosiguió sus estudios de composición durante el lapso 1919-1922. También se relacionó ideológicamente con Alejo Carpentier, uno de los pensadores más ilustres y defensores del 'Afrocubanismo' que era la bandera insigne del 'Grupo Minorista', una agrupación de arte vanguardista con alto contenido político en Cuba por aquellos años. En 1922 se desempeñó Roldán como Concertino de la Sinfónica de La Habana (en la misma agrupación conoció a Alejandro García Caturla, fiel colega y futuro gran compositor de la escena modernista afrocubana); al reformarse en 1924 la orquesta como Filarmónica y puesta su conducción en manos de Pedro Sanjuán, Roldán inicia su actividad como director de orquesta. Para 1925 se desempeñó como subdirector y en 1932 fue designado director artístico de la Filarmónica de La Habana. Esta orquesta fue pionera en dar a conocer en Cuba las obras más relevantes de Bartok, Stravinsky, Schoenberg y demás compositores modernistas de su tiempo. En el campo camerístico fundó en 1927 el Cuarteto de Cuerdas de La Habana cuyos integrantes eran Amadeo Roldán (violín 1°), Rafael Cabrera (violín 2°), José Sinelnikow (viola) y -el hermano menor del compositor- Alberto Roldán (violonchelo). A partir de 1928 figuró Roldán como miembro de la 'Pan-American Association of Composers' que gestaba Henry Cowell, su principal promotor; en 1930 Roldán fue designado como director de la West Indies Sections de dicha cooperativa. En sus últimos años de vida se desempeñó como catedrático de armonía y composición en la Escuela Normal de Música y el Conservatorio Municipal de La Habana. Con casi 39 años de edad Roldán dejó trunca su brillante carrera musical pues falleció a causa de un Cáncer facial que le desfiguró el rostro, ya que en vida había sido un fumador empedernido. RÍTMICAS: V y VI. Esta es una colección de piezas que fue compuesta entre 1929-30 en dos series, la primera (I-IV) para Quinteto de Alientos y Piano, mientras que la segunda (V y VI) para 11 percusionistas. De la Serie II es sobre la que nos ocuparemos. Dentro de la música de cámara del siglo XX, 'Ionisation' de Edgard Varèse y las 'Rítmicas' de Roldán abrieron un nuevo género hasta entonces insólito: El Ensamble de Percusiones. Sin embargo, mientras que la primera fue estrenada en marzo de 1933 y rápidamente considerada como un ejemplo indiscutible de la vanguardia musical, el destino de las Rítmicas (escritas en 1930) fue tenue y parco. En gran medida esto fue provocado por el propio compositor, quien mostró escaso interés para que fuesen difundidas estas piezas; se desconoce la fecha de su estreno, pero la más antigua referencia que avala el haber sido interpretadas públicamente las RÍTMICAS V y VI es el Concierto que dio John Cage en la Cornish School de Seattle, el 9 de diciembre de 1939, pocos meses después de la muerte de Roldán. En las RÍTMICAS V y VI se condensan varias yuxtaposiciones polirrítmicas que generan la sensación de una ágil improvisación espontanea aunque todo está meticulosamente bien escrito y medido; además, el carácter de cada toma como base el Son (V) y la Rumba (VI), que pese a lo breve de su duración, son gigantes en cuanto a su propuesta y alcance originales, pues el planteamiento pone en alto relieve las expresiones vernáculas intrínsecas de la música con instrumentos de origen afrocubano, en sincronía con un pensamiento musical de vanguardia y claramente personal.
ou
- chronologie: Compositeurs (Europe).
- Index (par ordre alphabétique): A...